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Poliedro Magazine | April 17, 2014

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Ego-art en Instagram: IBan con B

enero 19, 2013 | Poliedro Magazine

La poética de los objetos esta muy presente en la obra de Iban González. Retomando la tradición del “bodegón”, y la memoria del “poema visual” vanguardista, el autor comparte su apropiación de estructuras cotidianas,  y la construcción de su propio cuerpo como estructura.

La obra de González se desarrolla dentro del ámbito de la  iPhoneografía, aunque no excluye la utilización de otros medios fotográficos. La técnica no es el fin en sí mismo, sino la captura del instante y los micromundos en este contenidos.

Iban comenta: “Me gusta contar historias y la fotografía, digamos, me permite hacerlo con cierta impunidad. Aunque normalmente (no siempre), mis fotografías nazcan inmediatamente de un sentir propio “presente”, me interesa que la fotografía trascienda a modo de sensación y deseo, que cada persona que la vea la haga suya.”

El autorretrato es una de las formas de representación visual más antiguas. La búsqueda y construcción del sí mismo a través de la imagen, de la “autorepresentación”, es en Iban González una fuerza mayor. El autor utiliza la herramienta de INSTAGRAM como mediadora de experiencias, siendo el eje su propio cuerpo.

Fotografía cortesía de ©Iban González

***

Las piezas que conforman su “autorretratos” pueden considerarse dentro de la línea del “EGO-ART“, debido a su elección de crear a partir del compartir la propia intimidad. El “alter-ego” del reflejo/reflejado en las redes sociales confronta la incógnita del “ser” y el “estar” dentro y fuera de la red. Siendo a su vez, una posibilidad de re-invención de lo cotidiano.

Iban confiesa: “En mis fotos me expongo, es algo inevitable”, por ejemplo, en “cada imagen de carne viva responde a un momento muy concreto, a un sentir muy explícito y la fotografía se hace con ese propósito. Es una confirmación, -podría ser autodeterminación-, y será siempre un recuerdo.”

El acto de retratar a quienes nos rodean es una práctica social cada vez más generalizada. En la era “post-fotográfica”, los dispositivos móviles permiten atrapar instantes y compartirlos casi en tiempo real. La vida cotidiana se convierte en una realidad paralela conservada en imágenes.

La experiencia del instante, de los cuerpos que comparten el espacio del cuerpo propio, y las historias que les unen, son parte importante del “Diario” vital de Iban González, de su ego-sistemaLos retratos poco a poco van revelando la intimidad entre  l@s retratad@s y el autor, -algun@s de ell@s muy presentes en su proceso creativo-, sumándose a la edificación de su historia personal. Iban comenta: “Estas fotos relatan el mundo que me rodea y cómo inter-actúo con ellos, por eso abundan los retratos. Me interesa retratar a las personas en su medio, ya sea físico o emocional.”

Seguimos a este creador español, hasta ahora inédito. Os invitamos a conocer más de su trabajo en www.bdiban.es

Visitar el lugar de un crimen

enero 18, 2013 | Susan Campos

Debra: You believe that? you believe some people deserve to die? Dexter: Some people don’t deserve to live.”

Los vínculos entre las series de televisión y el arte no siempre son evidentes. Un trío de jazz improvisa sobre el tema de la serie Dexter, mientras  Xavi Carbonell emula la situación presentándose como una víctima del personaje. El performance queda conservado también en una televisión, colocada en el sótano de Utopic_us, convertido en “galería”.

La escenografía es evidente desde que entramos en la sala, visitamos el lugar de un crimen. Pero en este caso se trata de una “inmolación”. A modo de cristo, Xavi Carbonell se expone ante nosotros para que juguemos a ser Dexter, para que demos rienda suelta al asesino psicópata que llevamos dentro… ¿cuántas veces se puede matar a un “artista” y cómo?

El motivo de trío de jazz, una pequeña molécula circular que asciende y deciente, habla de una rutina. Una vez más remite a la serie, la rutina de una doble vida del personaje, de sus obsesiones, y aquí, el artista juega con nosotros, somos sus “ratas de laboratorio”. Las imágenes de su vida dispuestas junto a las herramientas de muerte, manchadas con pigmentos de Halloween, nos desconciertan. Juega con nosotros a la fiesta de los muertos. Juega a que le matemos.

¿Alegoría, metáfora de una sociedad española y su actitud frente a la creación “artistica”? Los dibujos de Xavi Carbonell, colgados y dispuestos como las pruebas de un crimen, interrogan al visitante.

El “artista” como víctima y cómplice. El “sistema” y la industria cultural como colaboradores. Los espacios del mercado del arte como laboratorios de “matanza” sofisticada. Las fotografías difícilmente hacen justicia a los dibujos de Xavi Carbonell, a su textura, a su condición materica primordial, hojas sueltas de papel y sacrificio.

La muerte de un artista, comisariada por Maria Victoria Arribas, colaboradora de Plataforma Arte Contemporánea (PAC), estará abierta del 11 de enero hasta el 11 de febrero de 2013.

Detalle de las pruebas de un crimen.

VISITAR GALLERIA DE FOTOS EN POLIEDRO MAG 

Seguimos a Xavi Carbonell hasta New York City, donde su obra se expone bajo la égida de SPAINT en la galería Art Angler de Jason Dick: “SPAINT en NYC” (más próximamente)

La divina comedia de la voz: “instalar-ser” sonoro

diciembre 31, 2012 | Susan Campos

Por Susan Campos Fonseca

Construir espacios para la memoria con “la voz”. Pensar arquitecturas subvertidas por “voces”. La pregunta abierta por Susan Philipsz, -primera artista sonora en ganar el Premio Turner en 2010-, marca un camino guía.

Este ensayo es una astilla de geografía humana.

El fluir del río Clyde en Glasgow, al cruzar el puente George V, se encontró con la instalación de Philipsz, basada en su perfomance de un lamento escocés del s. XVI. Emerge así, como escribe Jonathan Griffin, la canción como memorial, la posibilidad de un traer a presencia. Un “instalarse” que cuestiona nociones de “sonido”, “escucha” y “audición”. Las poéticas que vinculan al arte sonoro y la música electrónica con la música de arte y el folklore. Un re-membrar nociones musicadas de tiempo y espacio, como en “Lowlands Away” de Susan Philipsz, desvelando pliegues epidérmicos del lugar habitado.

No obstante, al ser “expuesta” en el “cubo blanco” de la Tate, la instalación deglutió el imaginario occidental del “vacío” como posibilidad. Las capas de piel que recubrían la materialidad de las voces y el entorno urbano, construyeron, como en una obra de Louise Bourgeois, redes cuyos hilos tejen tantos memoriales como cuerpos de escuchas se sumaron a la experiencia.

Pero el patrimonio inmaterial que conforma cada experiencia no se desvela, como en los cuerpos que se abrazan, mantiene la “incomunicabilidad del ser”. La penetración intangible de la voz, sin embargo, abre cuerpos, desnuda espacios, edifica poéticas. Quizás por ello cuando 1966, Cathy Berberian creó “Stripsody”, dejó como legado un manifiesto, cuyo rapsódico acto desnudó la memoria de la voz en tanto poiésis del ser y el estar… allí continúa nuestro viaje.

El  porqué de la risa como respuesta de conocimiento ante “Stripsody”, podría considerarse una reacción coral ante su capacidad de almacenar, y disolver, consciencia. La corporeidad del imaginario sonoro colectivo se apodera,  -como en la instalación de Philipsz-, de una sala (lugar habitado), convirtiéndola en ciudad que canta, esculpida por la voz.

En “Stripsody”, un patrimonio de sonidos y ruidos coexiten con la “animalidad” y la risa. En consecuencia, una tonada folklórica emitida bajo un puente a través de altavoces puede, como en la instalación de Philipsz, detonar el memorial. Las formas híbridas de la voz extienden sus cabellos ante nosotros invitando a un ascenso, pero también enseñan sus garras…

El legado concentrado entre “Stripsody” y “Lowlands”, se abre paso entre otros cuerpos afines, como en Sons-Nús de Maite Dono y Baldo Martínez. Poética sonora, música de arte y post-jazz, relevan aquí su genética compartida. Un ejemplo es “Ut”, nombre antiguo de la nota do, “ut queant laxis…”, que remite al inicio de las cosas, a algo por hacerse, por crearse…

Sons-Nús, Maite Dono y Baldo Martínez (iTunes

“Ut”  07.17 min.

La inteligibilidad de la palabra en pos del sonido y sus pliegues, deriva en memoria contingente. El post-jazz se carga de esta dialéctica negativa. Coincidiendo con el inicio del “Ut” de Sons-Nús, el clásico “Dirt” de The Stooges, en la versión de Neneh Cherry y el trío The Thing, (con remix de Kurzmann), es prueba de ello,

Neneh Cherry & The Thing (Remixes) (iTunes

“Dirt” (Kurzmann remix) 6.02 min. 

En este “I don’t care” palpita el “Bang” final de “Stripsody”, yuxtapuesto a la carga histórica del “Ut” y el lamento de “Lowlands”.  El arte sonoro como posible categoría para albergar el híbrido patrimonio reunido aquí, obliga a preguntar: ¿qué tiene que ver esta “sonoridad” con la pregunta abierta por la instalación de Susan Philipsz?

-       Les une un vínculo: la divina comedia de la voz.

Las diferentes esferas de su viaje dantesco al corazón del sonido y la palabra. El acto canibalizador de la memoria. Los fluidos de la voz como memorial en-carnado. Sons-Nús, The Cherry Thing, Cathy Berberian, como Susan Philipsz, exploran estos parajes.

Victoria Diehl. Sen Título.

Sin embargo, se niegan a ser Beatriz. La lucha parece resonar en los espacios vacíos de “Lowlands”.  “Yo la peor de todas”, sentenció Sor Juana. La instalación de Philipsz implica también decolonizar la memoria. La fuerza roedora (casi tántrica) de la voz, desnuda, como en “Stripsody”, la emoción poderosa que desmembra la ciudad. Y “las emociones”, como indica Javier Moscoso, “pueden carecer de justificación, pero no de historia.”

El grito y el gemido, coexiten con el “vocalis celestialis”. La historia aurática de la voz “femenina” como ente sacrificial sale a la luz. No es hombre ni mujer, es “femenino”. Como el canto salmódico de “Lowlands”, emerge y envuelve con toda su carga simbólica los espacios urbanos, supuestamente vacíos. Porque no lo están, colmados de significados, nos ahogan.

Las voces, en consecuencia, decolonizan los espacios abigarrados, vertiendo la ilusión del espacio vacío. Como en una escultura de Victoria Diehl, el cuerpo vulnerable revela sus “otros” posibles, abiertos como heridas en el imaginario sonoro.

“Tú eres un árbol” de Maite Dono y Pedro López de Leuclade, ejercita, en Segundo Hechizo, esta decolonización:

Segundo Hechizo, Maite Dono & Pedro López  

“Tú eres un Árbol” 05.12 min.

La pregunta abierta por Susan Philipsz evidencia una corpografía. La entidad corporal que “es” y “esta” en tanto tecnología del sí mismo, contenida aquí en la voz, en la vocalidad. La estudiosa Nina Eidsheim lo expone en términos de “lectura sensorial” del cantar y el escuchar, del cómo un acercamiento sensorial (en-carnado) al sonido, plantea su propia inestabilidad. Ambigüedad contenida en una pregunta bastante antigua: ¿qué es “la música”? ¿qué pasa cuándo la música “sucede”?

La construcción etnohistórica y conceptual que media en nuestra experiencia del sonido, la escucha y la audición, en el “instalarse” y la improvisación, cuestiona la experiencia racional del conocer.

Como demuestran Julianna Barwick e Ikue Mori, con su “Breath of Spring”…, en la geografía humana, la vaciedad y la vacuidad, resuenan.

FRKWYS Vol. 6 by Julianna Barwick & Ikue Mori (iTunes

“Breath of Spring” 12:47 min. 

 

*Nota: Texto original escrito para  El Estado Mental Radio, completado con una conversación entre la autora y María Vriginia Jaua, directora de Salon Kritik.* Más información en “La instalación sonora como problema de geografía humana”.

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IMAGEN DE CABECERA:
Valentina Bardazzi. “Papillon Lefeve Syndrome”, 2009. Mixed Media: Acrylics, Pencil, Ink and Alcohol on Wood.

Top “Art-resaca” Navidades 2012

diciembre 27, 2012 | Poliedro Magazine

Durante estos días de fiesta hemos recolectado una serie de piezas que nos parecen especialmente representativas de los tiempos que corren. Los listados suelen ser una práctica común en estas fechas, así como los “Top 10″. La selección ha sido difícil, pero consideradlos frutos recogidos del huerto “facebook”, con todo lo que esto implica.

Hemos creado un álbum especial en nuestra página de facebook con el objetivo de incluir los enlaces originales para que podáis visitar los perfiles de quienes han “colgado” estas piezas en sus espacios virtuales: TOP ART-RESACA NAVIDADES 2012. Podéis incluir vuestras recomendaciones a modo de enlace aquí.

Consideramos que la relación entre creación emergente, “cultura pop”, cotidianidad e historia está muy presente en estos “residuos navideños”. La creación cultural demuestra una vez más, con inteligencia e ironía, la cara de los tiempos. La redes sociales continúan siendo un espacio de creación compartida, incluso a pesar de las continuas nuevas regulaciones que tratan de “controlarlas”, estas piezas son una prueba más. Agradecemos especialmente  a quienes las han puesto allí, y compartido su magnífica “furia” navideña.  Sabemos que tienen que haber más, por eso os invitamos a participar en esta recolección, y enviarnos vuestras recomendaciones. Sigamos construyendo cultura.

 

 

“I wish everybody the best for this queer Xmas time. Happy new year” -Regina Fiz Santos.

“Luz anfibia” de Óscar Pirot

diciembre 9, 2012 | Poliedro Magazine

 

Gracias a la generosidad de Óscar Pirot, compartimos primicias de su trabajo, Luz anfibia (Amargord Ediciones, España, 2012)_

 

Disolvencia

 

*

el día se marchita

 

evapora su fulgor

como un coágulo de sangre

expuesto a la intemperie

 

ya no palpitan las nubes

en el mar inmóvil del cielo

 

apenas

un banco de pájaros

espejea el oleaje

del tiempo y sus acrobacias

 

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Susan Campos y Sara Landeta en POLIEDRO TV

noviembre 18, 2012 | Poliedro Magazine

“She beckons, and the woods start-”

Este verso de Emily Dickinson es apropiado para introducirse en la piel “De los úrsidos”. El bosque que yace bajo las ansiedades de nuestra propia carne, es visitado por Sara Landeta en el difícil ejercicio de encarnarse y descarnarse. Las piezas que conforman la colección viven por sí mismas: ilustraciones en gran formato, pequeñas instalaciones, máscaras, polaroids intervenidas, microtextos… nos cuentan una historia animal. El animal humano, el animal juguete, se mira al espejo de la civilización y no encuentra respuesta. Sara demuestra que una estética aparentemente “Indie-folk” (por utilizar una categoría musical), puede guardar las entrañas de la ferocidad. Los lápices de color son garras en sus manos, con ellos recorre un camino conservado en polaroids intervenidas, dejando pequeñas huellas en los jardines (bosques artificiales) de la conciencia. Ursidae  versus Homo Consumericus.

Con esta cita de Susan Campos, presentamos el primer capítulo de una serie: DIÁLOGOS en POLIEDRO TV. Nuestro objetivo es crear un espacio para indagar en la creación cultural junto a sus protagonistas, retando los límites del formato crítico, ensayístico y periodístico. Para ello utilizamos una plataforma indenpendiente de comunicación y nos sumergimos en la construcción y gestión de discursos sobre creación emergente y activismos contemporáneos.  Porque nuestro objetivo no es solo “comunicar” (en el sentido “al uso” de promocionar y divulgar), sino plantear preguntas e ideas. Os invitamos a dialogar y debatir con nosotros en este nuevo espacio, pero sobre todo a estar vigilantes… sabemos que sucede mucho más de lo que aparece en los medios.

Sara Landeta: “De los úrsidos” from inspiriart on Vimeo.

Imagen de cabecera: polaroid intervenida de Sara Landeta para “De los úrsidos”.